miércoles, 16 de mayo de 2012

Shakuhachi acompañando a digeridoo


Tuve la suerte de grabar este vídeo en una de las calles de La Laguna, Tenerife, cuando estaba grabando a un digeridoo de pronto un turista saco su sakuhachi de su maleta y empezó a acompañarle. Para quien no conozca esto instrumentos aqui tienen toda la información sobre estos dos instrumentos.
Didgeridoo:
El didgeridoodidjeridu o diyiridú es un instrumento de viento, o aerófono, ancestral utilizado por los aborígenes de Australia. Básicamente es un tubo de madera, el cual se hace sonar al hacer vibrar los labios en el interior. Se supone que tiene unos 2.000 años de existencia, de acuerdo con la datación de algunas pinturas rupestres en las que aparece el instrumento, aunque los propios aborígenes le dan una antigüedad de hasta 40.000 años. El término didgeridoo no es de procedencia aborigen; es el que le dieron los europeos en sus primeras visitas a la isla. En las decenas de dialectos aborígenes se tiene una palabra distinta para designar a este instrumento, como por ejemplo yidakiginjungargeborodjalupumaluk, etc. El didjeridu está estrechamente ligado a la existencia espiritual de los aborígenes. Su principal función es la de acompañar un baile y a un cantante, sirviendo como instrumento de acompañamiento, así como marcando el tiempo para el ritmo de las canciones.
El árbol del que normalmente se construye un yidaki, es el “Stringy bark” (eucaliptus tetradonta) o "Gadayka" (en lengua Yolngu del noreste de Tierra de Arnhem), agujereado naturalmente por las termitas, que se comen la parte central del tronco. Otros árboles que también se utilizan en el noreste de Tierra de Arnhem para construir yidaki son el “Woolybut” y “Bloodwoods”. Otros tipos de bloodwoods y diferentes tipos de madera se utilizan en otras regiones de Australia, incluso en las que el didjeridu no es tradicional. Los didjeridus pueden ser cortados a lo largo de todo el año. (Durante la época húmeda, la madera estará más blanda y mojada, y durante la estación seca más dura y compacta). Existen muchos tipos , así como procesos rítmicos, según los clanes. En el Noreste de Tierra de Arnhem, los yidaki tienden a ser más largos, por lo que la nota será más grave, cuanto más al oeste nos vayamos, más cortos y más agudos serán los yidaki. En el oeste de Tierra de Arnhem el yidaki se conoce como "Mago". El yidaki tiene su propio lenguaje, en el que la lengua cumple el papel más importante a la hora de transformar el aire en sonidos. Juega un papel muy importante en las ceremonias de los hombres, pero también es usado como instrumento popular para el divertimento de niños y mujeres. Las canciones pueden dividirse entre formales e informales.
Shakuhachi.
El shakuhachi  es una flauta japonesaque se sujeta verticalmente como una flauta dulce en lugar de como la tradicional flauta travesera. Era utilizada por los monjes de la secta Fuke Zen, seguidores del budismo zen, es su práctica ritual del Suizen (meditación mediante el soplado).
El nombre shakuhachi significa "1,8 pies", referido a su longitud. Se trata de una palabra compuesta por dos vocablos:
  • shaku que es una medida de longitud arcaica usada en Japón, equivalente a 30,3 centímetros y subdivisible en diez fracciones denominadas sun.
  • hachi , "ocho", referido aquí a ocho sun.
Así, "shaku-hachi" significa "un shaku con ocho" (equivalente a unos 55 centímetros), que es la longitud estándar de unshakuhachi. Otros shakuhachi varían su longitud desde aproximadamente 1,3 shaku hasta los 3,3 shaku (cuanto más largo es el shakuhachi, más grave es el sonido). Aunque los tamaños varien, todos son denominados genéricamente como "shakuhachi".
La flauta dulce se sopla a través de la boquilla, permitiendo un control limitado del tono.
El shakuhachi se toca soplando el aire como si fuera el borde del cuello de una botella, pero en su otro extremo, el shakuhachi termina en un borde afilado, que permite al intérprete un control sustancial sobre el tono.
Los cinco agujeros están afinados según una escala pentatónica, sin semitonos, aunque el intérprete puede modificar cada tono tanto como un tono o más utilizando técnicas llamadas meri ykari, para conseguir las cuales se modifica el ángulo de soplado, consiguiendo tonos más altos o más bajos, respectivamente. El shakuhachi permite un rango de dos octavas completas (la más grave se llama Otsu y la más aguda Kan) y un tercera octava incompleta (Tai-Kan). Las distintas octavas se consiguen mediante sutiles variaciones en la respiración y en la embocadura.
Un shakuhachi de 1,8 produce un Re4 (Re sobre el Do medio, equivalente a 293,66 Hz) como su nota base, es decir la nota que se produce con los cinco agujeros tapados y con un ángulo normal de soplado. Sin embargo, un shakuhachi de 2,4 produce una nota base de La2 (por debajo del Do medio, equivalente a 220Hz). A medida que la longitud aumenta, la distancia entre los agujeros se incrementa, extendiendo tanto los dedos como la dificultad técnica. Las flautas más largas requieren a menudo de agujeros compensados, y las muy largas deben confeccionarse casi siempre a medida para adaptarse a las características concretas del intérprete. En particular, la mayoría de los honkyoku están concebidos para ser interpretados con estas larguísimas flautas para conseguir las sensaciones sonoras adecuad.

martes, 10 de abril de 2012

Riverdance.

http://www.youtube.com/watch?v=WSYdOidSqjU&feature=related

Haka

Ikebana

El Ikebana es el arte floral japonés. Proviene de una antigua tradición que tenían los budistas chinos de hacer ofrendas florales a Buda. Fue durante el s. VI en el que los misioneros chinos que se fueron a Japón dieron a conocer este arte. A partir de entonces y hasta el s. XV el Ikebana mantuvo su condición de ofrenda divina, llegó un momento en el que perdió sus connotaciones religiosas.
Pero hasta ese momento el ikebana dio muchas vueltas. En un principio dicha acto consistía en una sencilla ofrenda floral (incluso a veces sólo se ofrendaban sólo los pétalos, como por ejemplo en la India). No fue hasta el s.X, durante el cual en Japón se empezó a embellecer un poco dicha ofrenda, y se incluyeron elementos como recipientes y demás.
El Ikebana se basa en la armonía de una simple construcción lineal y la inclusión de flores o elementos que nos puede ofrecer la propia naturaleza.
A lo largo de los siglos, han habido multitud de escuelas de Ikebana, todas ellas con sus características y sus manías.
La primera escuela fue la de Ono no Imoko, conocida como Ikebono, creada a principios del s. VII. Su creador fue un japonés que tuvo la oportunidad de ir tres veces a la corte de la China Imperial. Cuando se retiró, se convirtió en el guardián del monasterio budista Rokkaku-do, situado a las afueras de Kyoto y allí se convirtió en abad. Pasó a llamarse Semmu y se hospedó en una pequeña casa llamada ike-bo-no (casa del lago). De ahí vino el nombre de la escuela. De sus viajes a China aprendió el arte de las ofrendas florales, cosa que aprovechó para perfeccionar en su retiro y establecer unas primeras normas.
Pero a partir de él, surgieron cantidad de escuelas que tienen su propias características, simbologías y demás detalles.
Los materiales que se usan para la construcción son flores, hojas, cereales, hierbas, ramas, semillas, frutas, vegetales etc...Dichos materiales podían ser vivos, secos o artificiales. En un principio se prefería el uso de materiales del lugar, aunque dicha condición con el tiempo se fue perdiendo (propiciada en cierto modo por la apertura al mundo que protagonizó Japón a finales del s. XIX).
Otro aspecto importante dentro del ikebana es el diseño. Las partes más importantes del diseño son el color, la forma, la textura y la línea. El color y la forma vienen dadas por la propia naturaleza del elemento escogido, aunque con la creación de las escuelas modernas, dicha naturaleza podía modificarse. La textura venía determinada por la superficie de los materiales usados y la línea era expresada por la ramas que tenía dicha composición. Todos estos detalles eran imprescindible para hacer una 

Shakira bailando danza del vientre

http://www.youtube.com/watch?v=w_PpjieRyd4&feature=related

jueves, 8 de marzo de 2012

Benito Cabrera

Benito Cabrera Hernández es un compositor y timplista canario. Nacido enLanzarote, pero empadronado tinerfeño.
Desde muy joven estudia música y participa en diversas formaciones, tanto de música clásica como tradicional. Será miembro fundador de la Agrupación Folclórica Universitaria (AFU).
En 1989 gana el I Certamen Regional de Solistas de Timple, organizado por la Dirección General de la Juventud y, a partir de ahí, inicia una carrera como timplista que centrará buena parte de su trabajo.
Benito Cabrera hace una renovación de la música canaria con timple, fusionándola con elementos musicales del folclore celta y del pop. Ha colaborado con numerosos artistas a nivel canario.
Benito Cabrera ha realizado conciertos en diversos países como Alemania, Bélgica, Noruega, Reino Unido, EEUU, Uruguay, Venezuela, Puerto Rico, Japón, etc. También es autor de diversas obras para diferentes formaciones, tanto instrumentales como con letra. Entre estas composiciones destaca el tema navideño Una sobre el mismo mar, que alcanzara gran fama y que llegara a ser interpretado, entre otros artistas, por Pedro Guerra y Rosana Arbelo.
Es el autor de la letra del Himno Oficial de la Comunidad Autónoma de Canarias. Es profesor del Conservatorio Superior de Música de Canarias y director musical del grupo Los Sabandeños                      http://www.youtube.com/watch?v=a-fPA2yHACw&feature=related

martes, 28 de febrero de 2012

Johann Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)


Johann
 Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)En su 250 aniversario de su nacimiento.
Esta es la biografía que reflecta solo la infancia y adolescencia de este genio de la música mundialmente conocido. Al recordar su 250º aniversario de su nacimiento queremos honrar su memoria conociendo como se crió, como se educó y como consiguió sus primeros éxitos con la música.
Wolfgang nace en Salzburgo en un piso de la calle Getreidegasse nº 9, el 27 de enero de 1756.
Según su partida de nacimiento fue bautizado en la catedral (S.XVII) ante una pila bautismal de bronce de 1321, con los nombres de Juan (Johann)Crisóstomo Amadeus Sigismundus Gottlieb Mozart, pero sería de mayor que se haría llamar Wolfgang (por su abuelo materno) Amadeus Mozart. Fue el benjamín(de siete) del matrimonio compuesto por el conocido violinista y compositor Leopold Mozart y de Anna Maria Pertl, de familia de funcionarios públicos. Sus padres se casaron en Salzburgo (lugar a donde acudió a trabajar Leopold de muy joven, en la corte del Arzobispo de Salzburgo) el día 21 de noviembre de 1747. Su padre era de Augsburg (Bavaria-Alemania) y su madre era nacida en una pequeña villa de Austria, cerca de la frontera con Bavaria. Al contrario de su padre, un hombre siempre lleno de complicaciones, ambicioso, más preocupado por su buen trabajo como compositor de corte y por hacerse conocedor por sus composiciones sacras, su madre era más bien conocida como amante de su familia y con un agradable sentido del humor, carácter, algo más despreocupado y alegre que heredó Wolfgang.


Este niño prodigio aprendió muy pronto a componer música, gracias principalmente, a su hermana Nannerl (Maria Anna) unos cinco años mayor que él, a la que más próximo se sentía. Siempre a las faldas de Nannerl –consumada pianista- la acompañaba en el Klavier (clavicémbalo- especie de piano primitivo con un sonido dulce, de gusto barroco) o al violín.
Con cuatro años ya destacaba por su buen oído y su padre le puso de seguida a aprender música, si no bien, era el oficio de la familia. Con cinco años conseguía dominar la composición musical. Apenas llegaban sus pies al suelo y ya destacaba delante del piano. Ante el gran talento de su hijo, Leopold decidió presentar una composición del niño ante el príncipe-arzobispo de Salzburgo. Tanto la actuación como el niño agradaron y muy pronto quiso su padre comenzar una gira de recitales por diferentes ciudades europeas, Viena, Paris, Munich o Milán, en las mejores cortes de la realeza y de la aristocracia con peso social y político.
Wolfgang siempre necesitado del cariño de su madre quiso que ella le acompañara en la gira europea de los Mozart, por lo que también todos sus hermanos le acompañaron. 
Con unos doce años y durante un concierto en el palacio real Schönnburg, se llegó a sentar en las faldas de la emperatriz Maria Teresa I de Austria y además según dicen, se enamoró de Maria Antonieta, la cual le dejó huella sobre todo cuando reacia a tener amistad con el músico, la archiduquesa sacó su mal genio haciendo que sacaran de palacio a padre e hijo.
Mozart no tuvo una infancia feliz como cualquier otro niño, desde los cincos años tuvo que trabajar con su padre e ir de giras; por aquel entonces un niño de su corta edad no viaja tanto como él. No tuvo relaciones con amigos de su edad, solo con adultos. Su padre le tenía de escaparate hasta que algún aristócrata o algún alto cargo de la iglesia le diera una oportunidad de trabajar fijo y que le protegiera, como a otros artistas. Pero no fue así, ya que el arzobispo de Salzburgo era reacio a dejarle demasiado libre por otras cortes y siempre le estaba llamando a Salzburgo. A los doce años ya era un concertista experto y mucho más admirado y querido.
Mozart se acostumbró toda su vida en vivir libre, viajar mucho y el gusto por la variedad. Tampoco tomaba decisiones, para ello ya estaba su padre, quien como manager suyo decidía a donde ir, que música tocar y cuando y como debía interpretar la música.
En su adolescencia se acostumbró a visitar muchas fiestas y en ser el centro de las miradas y a disfrutar de las largas noches. Desde que llegara a la mayoría edad hasta que muriera componía una media de cuatro piezas al mes y su cabeza siempre estaba trabajando sin descanso.
Nunca supo administrarse y siempre vivió al día, por ello murió pobre, aún habiendo compuesto tantas obras y le fueran muy bien pagadas.
Dicen que tuvo un rival muy feroz en la composición de música, Antonio Salieri (1750-1825) pero no sabemos a ciencia cierta si lo fue en realidad.
Desde 1762 a 1766 los Mozart actuaron en distintas cortes de la realeza, nobleza y alto clero de Europa. Viajaban por largos caminos de polvo en carrozas y apenas tenía tiempo para explorar la ciudad que iban a visitar, siempre con las maletas en la mano. También en el primer año, tanto su hermana Nannerl como él acudieron a diferentes salas de conciertos en Munich y Viena. Posteriormente viajaron a otras cortes y salas de Alemania, Holanda, Bélgica, Inglaterra o Francia. En Londres entró en contacto con el hizo de Bach en la corte del rey Jorge III de Hannover. Entre 1767 y 1769 los Mozart apenas salían de Austria o Italia. Entre 1770 y 1776 su vida cambió bruscamente, incluso de protector, ya que con la muerte del Arzobispo de Salzburgo (un gran amigo de la familia Mozart) y con la elección del nuevo, que deseaba atar en corto al joven Wolfgang, apenas salió de su propio país. Para que no viajara tanto como antes, el nuevo arzobispo eligió nombrarle Director de Conciertos Titular de la Corte de Salzburgo, pero con un recorte en la nómina, pasando a cobrar cerca de 200 florines semanales y tan solo contaba con 14 años.
MOZART & SU EPOCA ITALIANA:
En diciembre de 1769 padre e hijo viajan a Italia. Visitaron ciudades como Roma, Bolonia, Milan o Verona; en esta última tocó para la Academia Filarmónica. Durante su primer viaje a Italia, conocería al gran Giambattista Sanmartino (Juan Bautista St Martin), compositor reconocido de la época, maestro suyo durante un curso realizado en Bolonia en el que Wolfgang asistió como alumno suyo. Hizo muchos contactos con los mejores compositores y músicos del momento de la música italiana,. En 1770 visitó Nápoles, Roma y Florencia. Será en Roma donde los Mozart visitaran el Vaticano y donde el joven de la familia oiría el “Miserere” de Allegri, en la famosa Capilla Sixtina. Clemente XIV, papa, le nombró Cavallero de la “Orden de la Espuela de Oro” acompañado de muchos privilegios, cosa que no interesó mucho al joven.
OBRAS de 1762-1776:- La étapa de su infancia y adolescencia-
Durante su corta vida (vivió hasta los 35 años de edad) y hasta su muerte llegó a contar con un total de más de 600 obras maestras. Siempre admiró a Bach, Haendel y a Beethoven, con quienes guardó amistad.
Llegó a crear: 41 sinfonías, 26 conciertos para piano, 5 para violín, 4 para trompa y otros instrumentos, 24 óperas, 16 sonatas, 19 misas, más de 100 danzas, requiems del que destaca su gran obra maestra, el réquiem que creó antes de morir, entre muchas otras piezas musicales.
Su estilo es inconfundible, suelto, maduro y magnífico, muy conocido para los mozartianos. Su composición evolucionó incluso a lo largo de su corta vida.

1756-1769:
En general compuso: Andantes, allegros, minuetos, sonatas, composiciones (todas para pianoforte, principalmente), sinfonías (como la 1 & 4), arias, oratorios, motettos, variazioni, sette, galimatías, Stabat Mater (33c), cantatas, música sacra, misas solemnes, Te Deum Kv 141, sus primeras óperas y recitales, entre otras.

Destacando los siguientes trabajos:
1763:
Sonatas para violín y piano.
1764: 
Sinfonías, como la K.16-
1766:
Oratorios.
1768:
Opera “La Finta Semplice”-
1769-
Opera: “Bastien & Bastienne”- Estrenada en la casa del Dr. Mesmer en Viena.
1770-1776:
Compuso mucho más árias, cantatas, óperas, cuartetos y quintetos para “archi”, kyries, misas, requiems, motetos, divertimentos o misereres, serenatas, canons, sinfonías y sinfonías breves, entre ótras piezas religiosas y cortesanas.
Destancando los siguientes trabajos:
1770-
Opera: ”Mitridate, el rey del Ponto” K 87.
1771:
Opera: “Ascanio en Alba”.
1772:
Opera: “Exsultate-jubilate” 
1773:
Sinfonías: K.183, K.199 y K.200.
1774:
Concierto para fagot K.191
1776:
Opera: “Il re pastore”, “La Finta Giardiniera”.
Hay que reconocer que entre sus mejores óperas como sinfonías u otras obras fueron escritas cuando Mozart ya había pasado a la edad de más madurez.
2006-AÑO MOZART:
El día 21 de enero tuvo lugar en Salzburgo, su ciudad natal, un encuentro de la Unión Europea capitaneado por Austria, puesto que este país será quien dirija el primer simestre la UE.
Aprovechando la fecha de su 250º aniversario de su nacimiento, la ciudad de Salzburgo ha organizado muchos eventos, conciertos y actos en general para celebrarlo, como en muchas otras ciudades de Austria o de Europa, celebrará el cumpleaños de Mozart con muchos conciertos, y para el que vaya en verano, también le recomendamos el ciclo previsto entre el 21 de julio al 31 de agosto con 22 conciertos.
-Festival de Verano de Salzburgo- (Homenaje especial por ser el Año Mozart).- Septiembre.
http://www.mozart2006.net
EUROPA DURANTE LA ÉPOCA QUE VIVIÓ MOZART:
El joven Mozart vivió de pleno la época del Clasicismo musical y la Ilustración, movimiento social que influyó en todo el continente (s. XVIII). La pre y Revolución Francesa, la pobreza de Europa, las inundaciones fluviales en diferentes puntos de Alemania, 
En España: Reinados de Carlos III y Carlos IV con sus problemas socioeconómicos, particularmente del último rey. Problemas políticos con Francia e Inglaterra. El posterior depotismo ilustrado Español. Problemas en las colonias españolas en América y conflictos en Gibraltar y Menorca.
Además Francia había pasado “La Guerra de los Siete Años” (1756-63) unida con Prusia contra Inglaterra y Austria; Inglaterra y la famosa sublevación de sus colonias en el continente americano y con la consiguiente “Guerra de Independencia de los Estados Unidos”. Comienza la “Revolución Industrial” en Europa. Newton y sus ideas sobre la Tierra y la gravitación universal. Gran crecimiento poblacional en Europa.
LA MUSICA DEL SIGLO XVIII & MOZART: “La música cortesana”
El estilo y la forma eran los temas más importantes para los músicos y compositores de este siglo. La música francesa era elegante y sonora. La música alemana era más sacra y seria. La música italiana era virtuosa y alegre. La música inglesa pomposa. Pero en lo único que estaban todos de acuerdo era que componer música y ser cantado en italiano o en latín era la base de la época. Por ello, Mozart empezó de joven a escribir en alemán, “¿Por qué no en alemán?”; Mozart quería acercar la música al pueblo, a la gente, popularizar la música fue algo que lo tenía muy claro. Por ello podemos encontrar muchas obras en esta lengua que compuso. Bach (también compuso en inglés) o Haendel también lo hicieron y posteriormente Beethoven. 
Abundaban las arias, los recitales recitativos, las misas y misas-requiems o las operas, entre otros. Mozart creó una opera especial para niños “la Flauta Mágica”.
Todo compositor que se apreciara entonces debía encontrar su mecenas, personajes de alta clase social con mucho dinero que los protegiera y les diera una pensión de por vida si fuera posible.
Los editores ayudaban por aquel entonces a publicar las partituras de estos genios y a ser conocidos fuera y dentro de sus propios países. Con el paso del siglo XVIII el mecenazgo iba decayendo y los compositores debían buscar otras alternativas para subsistir. Por ello, dar recitales o crear piezas para teatros o operas, además de las giras por las más importantes cortes europeas se hizo cada vez más importante para ellos. 
Otros compositores contemporáneos a Mozart fueron: Beethoven, Haydn, Haendel, Bach, Rameau, Quantz, Boccherini, Salaregui, Scarlatti, Albinoni, Telemann, Glück, Pergolesi, o K.Ph.

Ludwig van Beethoven

El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozartdiese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle pianoórgano y clarinete a temprana edad.3 Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara el piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música.
El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba frecuentemente enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a su madre, a la que denominaba su «mejor amiga».3
El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera actuación en público en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig era de seis años, para destacar, de esta manera, la precocidad de su hijo; por ello, siempre se creyó que Beethoven era más joven de lo que era en realidad. Debido a que el talento musical y pedagógico de su padre era limitado, Ludwig comenzó a recibir clases de otros profesores. Sus avances fueron significativos, sobre todo en la interpretación del órgano y la composición, guiado por músicos experimentados comoChristian Gottlob Neefe. Neefe fue un profesor muy importante e influyente en su instrucción y supo valorar inmediatamente el nivel excepcional de Ludwig. Además de transmitirle conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a Beethoven las obras de los pensadores más importantes, tanto antiguos como contemporáneos.3
En 1782, cuando contaba con once años de edad, Beethoven publicó su primera composición titulada Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst Christoph Dressler (WoO 63). Un año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: «Si continúa así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart».4 En junio del siguiente año, Ludwig es contratado como músico en la corte del príncipe elector de ColoniaMaximiliano Francisco, por recomendación de Neefe. Este puesto le permitió frecuentar la música de los viejos maestros de capilla, además de facilitarle la entrada en nuevos círculos sociales, en los que se encontraban algunos de los que serían amigos suyos durante toda su vida, como la familia Ries, los von Breuning (en cuya casa conoció a los clásicos y aprendió a amar la poesía y la literatura), el violinista Karl Amenda o el doctor Franz Gerhard Wegeler (con quien años más tarde viajaría a Viena).3En 1792, el príncipe elector de Bonn volvió a financiarle un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición con Joseph Haydn, de contrapunto con Johann Georg Albrechtsberger y Johann Baptist Schenk y de lírica con Antonio Salieri.3
Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792, durante un viaje con la orquesta de la corte, en el cual tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, tuvo lugar el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el queDaniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión, Beethoven tomó partituras de una obra de este, modificándolas al mismo tiempo que las iba tocando, con tanta gracia que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en París.3
Con veinticuatro años publicó su primera obra importante: tres tríos para pianoviolín y violonchelo(Opus 1) y el año siguiente, en 1795, realizó su primer concierto público en Viena como compositor profesional, en el que interpretó sus propias obras. Ese mismo año le propuso matrimonio a Magdalena Willman pero esta se negó. Posteriormente, realizó una gira por Praga,DresdeLeipzigBerlín y Budapest. En 1796 publicó tres sonatas para piano (Opus 2). La corte, la nobleza y la Iglesia vienesas acogieron la música de Beethoven y se convirtieron en mecenas y protectoras del joven músico. Eran frecuentes las disputas entre estos estamentos y el compositor, debido al carácter fuerte e impulsivo del músico, pero este hecho le hizo granjearse un gran respeto en la ciudad. Entre sus mecenas se encontraban personalidades como el príncipe Karl von Lichnowsky y el barónGottfried van Swieten.3 Por esa época se desligó de Haydn, con el que no coincidía musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedicó los tres tríos.
En 1800, Beethoven organizó un nuevo concierto en Viena en el que realizó la presentación de su Primera Sinfonía. Su actividad musical iba en aumento y también impartió clases de piano entre las jóvenes aristócratas, con las que mantuvo romances esporádicos. Al año siguiente, Beethoven se confesó preocupado por su creciente sordera a su amigo Wegeler. En Heiligenstadt, el año siguiente escribió el conocidoTestamento de Heiligenstadt, en el que expresa su desesperación y disgusto ante la injusticia de que un músico pudiera volverse sordo, algo que no podía concebir ni soportar. Incluso llegó a plantearse el suicidio, pero la música y su fuerte convicción de que podía hacer una gran aportación al género hicieron que siguiera adelante. En dicho testamento escribió que sabía que todavía tenía mucha música por descubrir, explorar y concretar.3
Su música inicial, fresca y ligera, cambió para convertirse en épica y turbulenta, acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco fue derrotado, adquirió notoriedad Napoleón Bonaparte, que se convirtió en un ídolo entre los sectores progresistas. De esta época son la Sonata para piano n.º 8, llamada Patética, y la Sonata para piano n.º 14, llamadaClaro de luna. Su Tercera Sinfonía, llamada la Eroica, estaba escrita en un principio en «memoria de un gran hombre», Napoleón, que era visto en ese momento como un liberador de su pueblo. Cuando se declaró a sí mismo Emperador, Beethoven se enfureció y borró violentamente el nombre de Napoleón de la primera página de la partitura. La Eroica se estrenó finalmente el 7 de abril de 1805.3
Bethoven de niño.
Sinfonia Nº7.